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【央视新闻客户端】
7月23日 ，中国当代艺术家易茗的海外个展《与光同行》在意大利威尼斯举行 。光 、色层 、时间与痕迹是贯穿此次展览的几条重要线索。
易茗与威尼斯的第一次相遇，是在夜色中 。
从机场出来后 ，他乘船驶向城中 。水面泛着细碎的光 ，那一瞬间，他突然产生了一种恍惚感 ，“好像回到了武汉 ”。
易茗在长江边长大。他说 ，自己对水一直有一种难以言说的感情 。后来走过许多国家和城市，这种来自成长环境的记忆 ，仍会在某个不经意的时刻重新浮现 。威尼斯的水与波光 ，就这样唤起了他对故乡的记忆。
不是画光，而是在画情绪
“与光同行”是此次威尼斯个展由策展方提出的主题，易茗很喜欢 。威尼斯与水和光密不可分 ，而在他的作品中 ，光影也一直是观众和评论者关注的元素 。
但这些“光 ”并非刻意为之。“我画的时候没这个意思 。 ”最早是别人告诉他，“你的光呈现得很好” ，他重新审视自己的作品才发现 ，那些没有被直接描绘的光，其实早已存在于色彩和空间之间 。
“其实我不是画光 ，我是用色彩在描绘情绪。 ”
意大利艺术协会主席克劳迪奥·詹尼尼先生7月23日在威尼斯为易茗先生颁发金奖证书 。摄影师Ivan
在此次展览的介绍中 ，“Velatura ”和“Vestigia”是理解作品的两个重要词语 。前者来自油画中的透明罩染，色彩在不断叠加中形成层次；后者则意味着痕迹 ，指向时间和创作过程在画面上留下的印记。对于观众而言 ，它们提供了进入此次展览的一条路径：光并不一定以明确的光束出现，而是藏在色层、空间 、明暗和各种痕迹之间 。
这些呈现 ，并不是易茗在创作之初预先设定的 。对他而言 ，绘画往往从某一种真实感受出发，意义则是在创作和观看中逐渐显现。就像初到威尼斯时看到水面的波光，让他瞬间想起武汉。这样的感受并不需要先被赋予某种宏大的意义 ，“它很美 ，它就是我一段情绪” 。
创作本身也保留着这种不确定性 。易茗说，一幅油画的构思也许很快形成 ，但真正完成往往需要数月。油彩需要干燥和等待 ，随着色层不断叠加 、画面不断调整，最初的想法也可能随之改变 。他并不抗拒这种变化 ，“就像看电影 ，你不知道结局是什么，才有魅力 ” 。
把“乱七八糟 ”留在画里
对易茗来说 ，情绪进入画面 ，有时并不是一件经过设计的事。
他回忆，有一次 ，一幅作品画到一半时 ，一名助手来找他谈事情 。随着谈话进行，他越来越烦躁，一边听 ，一边拿着笔不断在画布上划、戳 。起初还很爱惜这幅作品 ，后来觉得已经被自己“毁了”，索性不再控制。一个多小时后 ，他把画放到一旁 。第二天早晨重新面对它时 ，却突然发现，那些原本以为是失控留下的痕迹 ，反而准确保留了前一天的情绪 。
他没有再将这些痕迹覆盖掉。后来 ，也有不少观众喜欢上了这幅作品 。对易茗而言，这种并非事先安排的状态 ，恰恰构成了“很真实的情绪表达 ” 。
类似的选择也出现在他的其他作品中。易茗的画面里常常存在较为安静 、开阔的空间 ，却又穿插着一些看似凌乱的线条。有人曾建议他，如果把这些部分去掉 ，作品会更加“漂亮 ” 。
“那不行 。生活就是这样 ，生活就是乱七八糟的。”
在易茗看来，艺术如果只剩下漂亮，并不足以成立 。人的生活本来就同时包含秩序和混乱 、快乐和烦躁、克制和自由 。画面中那些突然出现的线条和不完全协调的关系 ，并非一定要被清除的“杂质 ” ，有时反而更接近生活本来的状态。
欧洲的藏家和评论家7月23日在专场看展中 。摄影师Ivan
“艺术最高的境界，是表达矛盾 。 ”在易茗看来 ，人的生活本身就在克制与自由之间不断摆动。他参与大型公共视觉项目时 ，需要严谨 、秩序和效率；回到个人创作，则更愿意让自由 、偶然和不可控进入画面 。两种看似相反的状态 ，对他而言恰恰都是生活真实的一部分 。
画里没有人 ，人却能在里面看见自己
易茗的作品很少直接出现具体人物。相比明确的叙事，观众更多面对的是空间、色彩、光影 ，以及画面中留下的线条和痕迹 。但人的存在并没有消失 ，只是换了一种方式进入作品 。
“我只画空间，所以我希望人在里面找到自己有的东西。”
有人从他的画中感到安静 ，有人看到悠远 ，也有人体会到烦躁甚至压抑。易茗并不认为作品存在一个必须被准确找到的标准答案 。他提到一幅颜色很深的作品，画面大部分被黑色笼罩，只留下少量光亮 。即使有人因此觉得压抑 ，甚至直言“不喜欢 ” ，他也能够接受。在他看来，只要观众真正感受到某种情绪 ，作品与人之间的联系就已经发生 。
也正因此 ，他并不要求欧洲观众必须先理解中国书法 、东方哲学或他的个人经历，才能进入作品 。在易茗看来 ，看画就像听鸟鸣 、看海浪 ，不需要先弄明白其中的含义，感受往往已经发生。同一条鱼 ，在厨师眼中是食材 ，在鱼贩眼中是商品，在寺庙里可能意味着慈悲 ，到了海里又只是一条鱼 。位置和经验不同 ，所“看见 ”的自然也不同 。
对易茗而言，艺术并不是要求所有人看到同一个答案，而是给观众留下一个能够安放自身经验的位置。人的真实不一定需要通过具体人物呈现 ，它可以藏在一块色彩、一组凌乱的线条 、一片空旷的空间 ，也可以存在于一道并未被刻意描绘的光里 。
从这个意义上说，“看见”也逐渐成为理解易茗此次展览的另一条线索：艺术家留下自己的情绪 ，而观众从中看见自己 。
“看见 ”之后 ，是“敬畏 ”
这种对不同观看和不同感受的接纳，也延伸到易茗对人与世界关系的理解。谈到这些年来思考上的变化 ，他多次提到一个词：“敬畏” 。
“我觉得人类最缺的是敬畏心 。”
在易茗看来 ，敬畏首先是面对自然，意识到人并不能任意支配周围的一切；同时也存在于人与人之间。随着年龄增长 ，他越来越意识到 ，每个人都有不同的经历 、认知和立场，自己的判断并不能替代别人 ，人与人之间也需要知道边界在哪里。
年轻时 ，他曾认为很多问题都可以通过沟通解决 。如今，他反而觉得真正的沟通并不容易 。尤其当个人利益介入后，人对公平、原则和他人的理解 ，都可能发生变化。因此 ，他所说的“敬畏 ”，更多是一种对自身边界和位置的认识 。知道自己看到的并不是全部 ，也明白一个人今天恰好被看见 ，并不意味着那些没有得到同样机会的人不够努力 。
这种思考也自然延伸到了人工智能。技术不断提高效率 、改变工作和生活方式时，易茗更关心的是 ，人在享受技术进步的同时 ，能否保持必要的警惕，又是否还能看见那些可能因此失去位置的人？
人工智能时代 ，谁可能不再被看见
谈起人工智能 ，易茗并不是一个技术反对者 。恰恰相反，他称自己是“科技迷 ” ，也明确认为人工智能是一场重要的技术革命 。
“人工智能肯定是个好事 ，是一个大的革命。”但紧接着，他又补充：“人类要有警惕性 。 ”在他看来，技术的发展值得肯定 ，但在不断追求效率的同时 ，也需要警惕一部分人因此逐渐失去原有的位置 。
这种担忧并不只来自人工智能。早在人工智能成为热门话题之前，易茗就曾长期思考“慢生活 ” 。科技让沟通越来越方便 ，却也让人的节奏越来越快 。过去约定时间和地点后只能等待 ，如今即时通讯让人随时可以被找到 、被联系，看似节省了时间 ，人却可能变得更加忙碌和紧张。
而人工智能的发展 ，让这种思考进一步延伸到人的工作和社会位置。易茗举了会计、出租车司机和搬运工的例子 。如果越来越多普通工作可以由机器完成，那些原本依靠一份工作养活家庭的人 ，接下来会去哪里？
“这些原来做搬运的 、做出租的 ，是不是就有可能不被看见？”
“我觉得人最需要的是被看见 。 ”
对易茗而言，这里的“被看见 ”并不只是获得关注 ，而是一个人在社会中仍然拥有自己的位置 、工作和尊严。他甚至担心 ，如果技术发展缺少必要的边界，最终可能“剥夺人的思考、剥夺人的时间，甚至剥夺人的出现” 。
也正因此 ，易茗提出了“向下思考 ”这一概念 。这里的“向下 ” ，更多是提醒自己去看见那些容易被忽略的人。在他看来，技术不断向前 、效率不断提高的同时 ，也需要看见那些可能受到影响的人 ，而不能只看技术本身能够走多远 。
光照向谁
《与光同行》谈的是光，但在易茗自己的讲述中 ，光从来不是一个预先设计好的宏大象征 。他画的是色彩 、空间和某一种难以言说的情绪 ，是第一次抵达威尼斯时夜色中的波光，也是武汉记忆里的江水；是画面中令人感到安静的部分 ，也包括那些他坚持不愿删去的凌乱线条。
随着话题从绘画走向现实 ，“光”也逐渐有了画面之外的含义 。易茗关心的，也不只是作品中的光如何被看见 ，还有谁能够被时代看见 。
易茗并不认为艺术能够替现实给出答案。对他而言 ，艺术家能够做的，是感受、思考，并将那些无法完全说清楚的东西留在作品中 。
如今 ，《与光同行》来到威尼斯 ，在这座与水和光相伴的城市里，与来自不同地方的观众相遇 。
于是 ，“与光同行 ”也有了画面之外的意味：光照到了谁 ，又有谁仍然站在光之外。(中国日报网）
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